スマートフォンの画面を開き、いくつかの言葉を入力すると、数秒のうちに一枚の画像が生成される。光の反射や質感まで整えられたそのイメージは、かつてなら長い時間をかけて制作されていたはずの視覚的完成度を備えている。しかもそれは簡単に保存され、共有され、またすぐに別の画像に置き換えられていく。
このような環境の中で考えると、「絵とは何か」という問いは一見すると古いもののようにも思える。完成度の高いイメージが瞬時に作られる時代において、時間をかけて一枚の絵を描くことは、非効率な行為のようにも見えるからである。
近代以降、芸術はしばしば科学と同じような進歩の物語の中で語られてきた。新しい技法や表現が生まれ、それまでの様式を乗り越えながら、より高度な段階へと進んでいくというイメージである。しかしこの考え方は、本来科学の発展モデルから借りられたものでもある。科学は対象を分解し、検証し、再現可能な知識として積み重ねていく。その意味で発展を直線的な歴史として語ることができる。
しかし芸術は必ずしもそのような方法で成立しているわけではない。芸術は対象を分解して証明するものではなく、知覚や経験の全体を一つの形として提示する行為である。そのため、古い作品が時代を越えて新しく見えることもある。芸術は科学のように進歩するものではない。
20世紀末以降のアートの中には、表面を磨き上げ、高い完成度を持つ作品も多く現れた。例えば、ジェフ・クーンズ の巨大なステンレス彫刻や、ダミアン・ハースト の整然と配置された作品のように、構造が明確に設計され、表面が均質に整えられた作品である。こうした作品は強い視覚的説得力を持ち、しばしば工業製品のような完成度を備えている。
しかし、このような価値基準は日常の製品と同じ方向を向いているとも言える。滑らかで均質であること、完成度が高いこと、意図が明確であること。これらは確かに魅力的な価値ではあるが、それがそのまま絵画の価値であるとは限らない。
絵を描く行為の中では、しばしば思い通りにならない出来事が起こる。色が思わぬ形で滲んだり、線が予定とは違う方向へ進んだりする。そうした出来事は、最初は失敗のように見えるかもしれない。しかし制作を続ける中で、それが画面に新しい可能性を生むこともある。
こうして生まれる小さなずれや迷いは、画面の中に微かな ほころび をつくる。
このほころびは単なる不完全さではない。むしろ画面が完全に閉じてしまうことを防ぎ、そこにわずかな隙間を残す働きを持っている。
作者にとって絵画は、そうした出来事を受け取りながら考える 遅い思考の場 でもある。判断を重ねながら画面を進めていく過程で、迷いの痕跡や選択の跡が少しずつ積み重なっていく。
そして作品が他者に提示されるとき、その痕跡は鑑賞者に向かって開かれる。画面のほころびは、鑑賞者が自分の経験や感覚をそこに投影するための小さな入口になる。均質で完全に整えられたイメージは理解しやすいが、その分、解釈の余地は少ない。それに対して、ほころびを含んだ画面は、見る者の想像力を引き込む余白を持つ。
このとき鑑賞とは、作者の意図を当てるための答え合わせではない。むしろ作者の経験と鑑賞者の経験が交差し、新しい意味が生まれていく過程である。意図と解釈のずれは誤りではなく、作品が他者に開かれていることの証でもある。
もしかすると、これからの絵画の価値は、これまで欠点と見なされてきたものの中に見いだされていくのかもしれない。迷いの痕跡や構造のずれ、そして画面に生まれる小さなほころび。それらは完成度の不足ではなく、他者が入り込む余地として働く。
絵画とは、完成されたイメージを生産する装置ではない。
個人の遅い思考の中で生まれたほころびが、他者に向かって開かれる場である。
そのとき画面に残されたわずかなずれや迷いは、見る者の時間を引き留め、関係を生み出す。 つまり絵画とは、すぐには回収されない経験を成立させるための装置なのである。
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